12 липня 2017

Милош Елич: «Если музыка популярная, это еще не значит, что она попса»

В рамках Music Hub: Conference на Atlas Weekend саунд-продюсер, композитор, музыкант и участник группы «Океан Ельзи» Милош Елич рассказал всем желающим о роли саунд-продюсера в цифровую эру, заодно поделившись собственными взглядами на музыку. Platfor.ma записала самое интересное.

 

Фотографія: Ольга Закревська

История саунд-продюсирования начинается с 1877 года, когда Томас Эдисон изобрел граммофон, который уже в начале ХХ века продавался миллионными тиражами. Как и в любом другом бизнесе, когда вокруг начинают крутиться большие деньги, появляется необходимость в профессионале, который сможет довести товар до определенного качества. Качества, с одной стороны, технического, а с другой – чтобы и эстетическое наполнение было правильным. Так и появилась роль саунд-продюсера. Тогда он назывался рекорд-продюсером и был человеком, который решал: кого записывать, как записывать, что записывать и влиял на все технические составляющие.

 

В целом это профессия на стыке искусства и технологии. То есть сам продюсер – это, с одной стороны, человек, который должен разбираться в музыке, понимать ее, а с другой, обязан знать технические возможности и отыскивать новые решения.

 

 

XX век

 

Чтобы записать музыку в ХХ веке, надо было обязательно прийти в студию, где стояло дорогостоящее и высокоточное оборудование. Попасть туда было не так-то просто: приходилось либо платить деньги, либо добиваться определенного контракта. В этот момент роль музыкального продюсера изменилась: как только появились лейблы, возникли и люди, которые начали говорить музыкантам, что именно надо играть для того, чтобы были продажи. Один из величайших примеров продюсеров – это Джордж Мартин, которого еще называют «пятым Битлз». Он помогал в отборе песен, создании аранжировок, говорил, что именно должен играть каждый инструмент и предлагал варианты, как это все записать.

 

Еще в 60-х в записи звука произошел революционный шаг – задачей студий и продюсера стало не просто записать то, что играют артисты, а максимально точно передать то, что звучит в зале и зафиксировать это на носителе. Кажется, что это простая задача, но, поверьте – это очень непросто даже сейчас. А тогда было точно не легче.

 

С 60-х годов многие начали экспериментировать с возможностями студий. Появлялись звуки, которые возможны только на записи, но не в живом исполнении – просто не существовали такие инструменты, которыми это можно было сыграть. Начали появляться эффекты. Поначалу было что-то банальное – просто чтобы что-то звучало громче или тише. Со временем стали использовать эхо, которое мы слышим сейчас практически в каждой записи. То есть в целом появилась возможность использовать студию не просто как место чтобы что-то запечатлеть, а как творческий и эстетический инструмент. Начали использовать различные эффекты: пленку запустить задом наперед, наложить и дописать еще что-то, крутить музыку то медленно, то быстрее. Люди стали понимать, что это тоже очень сильное выразительное средство и им можно пользоваться.

 

XXI век

В цифровую эру все существенно поменялось. Стало возможно иметь студию у себя дома, более того, даже у себя в кармане. Существуют разные приложения, а у каждого владельца смартфона есть микрофон и способ записать звук. Если просто чуть-чуть поинтересоваться, то вы найдете программу, в которой этот звук можно еще и обрабатывать. По сути, то, что раньше было привилегией только для избранных, стало доступно каждому. И это прекрасно. Но есть один момент: люди, которые этим пользуются, далеко не всегда понимают все возможности. И второй момент – это эстетическая составляющая: что именно записывать.

 

 

Даже работать в студии сейчас намного дешевле, чем раньше. Микшерный пульт стоит от $150 тыс. Сегодня его уже можно заменить компьютером за $2 тыс. и определенными программами за $7-8 тыс. Все вместе это будет стоить $10 тыс., то есть получается удешевление в 15 раз. Все это сделала цифровая эпоха.

Одно из главных качеств продюсера – понимать, когда просто надо промолчать и дать музыкантам работать. На самом деле, общение с артистами – это самая важная составляющая.  

Работать с железом можно научиться, но вопрос опять-таки не в том, как записать, а в том, что именно. На начальном этапе, когда выбирается песня, задача продюсера – повлиять на артиста. Если он понимает, что песню надо делать, то нужно донести это до музыканта.

 

Продюсер, с одной стороны, должен разбираться хотя бы в основах игры на большинстве инструментов, их природе, том, как извлекается звук, должен понимать, что можно получить и уметь передать это музыканту, который владеет инструментом гораздо лучше, чем он. Должен аргументировать это таким образом, чтоб у музыканта не возникло сомнений, и он смог довериться, послушать, сделать.

 

 

Хорошая попса

В моей карьере продюсера приходилось сталкиваться с тем, что музыкант сам пишет песню, это искренне его слова и музыка, но потом слушает ее – и боится. Боится, что о нем подумают плохо, что назовут «попсой». Это самое страшное слово – «попса». Если хотите обидеть рок-музыканта, скажите, что его музыка – попса. Но на самом-то деле если музыка популярная, это еще не значит, что она попса.

 

 

Есть музыка, которая сознательно делается для того, чтоб максимально быстро продать большое количество копий и зарабатывать деньги. Она не несет никакой художественной ценности, более того, играет на самых низменных чувствах человека. Как правило, там речь либо о сексе, либо о самых банальных и простых вещах вроде «ты меня бросил/а» и так далее. Это песни, которые вовсю используют клише. Если взять и проанализировать тексты того, что мы называем попсой, то можно найти очень много совпадений. В Америке целые институты изучают, как надо писать слова, чтобы песня была хитовая – и творчества там не так много. По сути, они берут пазлы, которые собирают и быстро продают.

 

Но бывает иногда, что музыка, написанная из совершенно других побуждений, музыка, где в первую очередь все-таки стояло творчество, доходит до большого количества людей. Деньги – это скорее последствие, а не изначальный импульс, почему человек стал заниматься творчеством. Поэтому одна из ролей продюсера – объяснить это музыканту. Я говорил: «Вы только что написали песню, которая будет хитом», а мне отвечали: «Ну, нет, она попсовая». Но она не попсовая, если ее записали не только для того, чтобы заработать денег. «В тот момент вашего творчества это было искренне, так почему вы сейчас не хотите ее всем показать?!», – «А что подумают друзья-музыканты, скажут, что мы спопсились?»

 

 

Необходимость публики

 

Это достаточно важный момент. Каждому музыканту нужно определиться, чем он по-настоящему хочет заниматься, важна ему публика или нет. Когда я учился в консерватории на композиторском, то был сторонником того, что публика вообще не важна. Мне было все равно, понравится ли кому-то то, что я пишу. Мне хотелось самому вариться в своих этих идеях, как-то реализовать их.

 

Со временем, изучая литературу, слушая другую музыку, я понял, что каким бы экстремальным и эксцентричным ни был композитор, он свою публику находил и слушатели должны существовать.

Творчество – это дело между артистом и публикой. Если нет публики, то все превращается в какой-то непонятный монолог.

Еще одна важная роль продюсера – это вовремя остановиться. Группа «Океан Ельзи» – это очень опытный коллектив, там пять умелых музыкантов: у меня и у нашего гитариста Владимира есть опыт продюсирования, Денис Дудко тоже вовсю в подобном участвовал, Денис Глинин за столько раз в студии сам научился все делать, Славик тем более понимает абсолютно все. Но тем не менее мы всегда берем одного продюсера со стороны, чтоб был человек, который сможет нас рассудить. Кроме того, что мы научились продюсировать, мы научились еще и аргументировать, и когда есть какой-то спор – все правы. Поэтому должен быть человек, который скажет: «Все, хватит, вот это мы выбрали, так делаем и так оставляем». Это важно. Гоняться за идеалом – необходимо, нельзя халтурить. Но бывают моменты, когда перфекционизм переходит все границы, и если нет человека, который все это остановит, так может продолжаться долго.

 

Музыка от компьютера

Есть еще один плюс цифровой эры – появился YouTube, где люди сами могут всему научиться. Но роль учителя не только в том, чтобы передать какое-то знание, а и объяснить, что то, что ты выучил, ты делаешь правильно. Пока что компьютер этого не может, и, наверное, он никогда не заменит живого человека в музыке. В нашем деле много вещей хаотичных, моментов сиюминутного вдохновения, а компьютер не сможет решить, хорошо или нет. Да, скорее всего, в ближайшее время он сможет писать поп-песни, выберет алгоритм, который на данный момент больше всего интересует публику, и напишет текст. Но уловить душевность – не сможет.

 

 

В музыке всегда есть магия, момент, который не поддается рациональному объяснению. Почему одна песня продается, а другая – нет? Мы можем анализировать составляющие, частоты, колебания, но все равно не получим этот ответ. Потому что есть духовность в музыке, есть что-то необъяснимое, то, что мы называем магией. И роль продюсера в глобальном смысле – научиться самому чувствовать, что это действительно оно.

 

По сути, правильно/неправильно не существует, а о вкусах не спорят. Если задача продюсера – сделать музыку максимально массовой и популярной, тогда у него должен быть вкус, резонирующий со вкусом огромного количества людей. Иначе результат будет в рамках той эстетики, которая близка только им. Я не верю, что любой продюсер может взять любого артиста любого жанра – и сделать с ним очень успешную запись.

Мы ни в чем не можем быть уверены до конца, пока наше произведение не пройдет тест публики. И еще один самый большой тест для искусства – время. Если песня, которую ты продюсировал, нравится людям и 10 лет, и 15 лет спустя, значит, ты тогда что-то понял.

Я не могу сказать, что понимаю, какая песня хорошая, но я могу сказать, что чувствую, когда она хороша. Это все только на эмоциональном уровне. Бывает музыка, которая интересна рационально – это музыка для музыкантов, у меня тоже такое бывает. Это интересно, но не цепляет.

 

Мои два совета начинающим музыкантам? Пока вам не понравится песня, написанная всего под один инструмент – не беритесь за аранжировку. И второе – не тратьте деньги на демо-запись. У всех есть в кармане диктофон – этого достаточно.


comments powered by Disqus